Es wurden 542 Produkte zu dem Suchbegriff distanz in 3 Shops gefunden:

LSL Distanz-Bock Set zur Höherlegung, erhältlich in versch. Farben und Höhen für Lenker Ø 22,2mm | Artikel: LSL Distanz-Bock Set 15mm, silber, silber

LSL Distanz-Bock Set zur Höherlegung, erhältlich in versch. Farben und Höhen für Lenker Ø 22,2mm Artikel: LSL Distanz-Bock Set 15mm, silber

LSL Distanz-Bock Set zur Höherlegung, erhältlich in versch. Farben und Höhen für Lenker Ø 22,2mm | Artikel: LSL Distanz-Bock Set 35mm, schwarz, schwarz

Ein Interview-Magazin aus dem Internet wird zum Buch. 25 Berliner kreativ Schaffende in ihren Arbeits- und Lebensräumen werden vorgestellt. Gezeigt wird vor allem der Mensch in seinem privaten Umfeld. Hier wirkt nichts inszeniert, Authentizität und Eigenheiten der porträtierten Personen – darunter viele Trendsetter wie Galeristen, Sammler, Künstler, Fotografen, Illustratoren, Architekten, Ladeninhaber und Unternehmer – stehen im Vordergrund. Ein einmaliger und exklusiver Einblick in das so oft beschriebene Leben der Berliner Kreativen mit Liebe zum Detail, Hintergrundinfos, Geheimtipps und professionellen Fotos.Freunde von Freunden wurde 2009 als Internetportal von dem Designstudio NoMoreSleep mit einem Team aus Fotografen, Redakteuren, Gestaltern und Netzwerkern gegründet und hat inzwischen monatlich über 150.000 Leser. Es versteht sich als Forum der Kultur- und Kreativszene, nicht nur in Berlin.

H-pro Lenkererhöhung 25mm, für Ø22,2mm Lenker mit ABE | Artikel: HIGHSIDER pro Distanz-Bock Set 25mm, silber, silber

LSL Distanz-Bock Set zur Höherlegung, erhältlich in versch. Farben und Höhen für Lenker Ø 22,2mm Artikel: LSL Distanz-Bock Set 35mm, schwarz

H-pro Lenkererhöhung 25mm, für Ø22,2mm Lenker mit ABE | Artikel: HIGHSIDER pro Distanz-Bock Set 25mm, schwarz, schwarz

H-pro Lenkererhöhung 25mm, für Ø22,2mm Lenker mit ABE Artikel: HIGHSIDER pro Distanz-Bock Set 25mm, schwarz

H-pro Lenkererhöhung 35mm, für Ø22,2mm Lenker mit ABE | Artikel: HIGHSIDER pro Distanz-Bock Set 35mm, schwarz, schwarz

Seit 1985 setzt sich Gerold Miller (geb. 1961 in Althausen, Baden-Württemberg; lebt und arbeitet in Berlin) mit seinen formal reduzierten Objekten aus Metall und Lack mit dem Grenzbereich von Bild, Skulptur und Architektur auseinander. Er untersucht dabei den feinen Grat, an dem sich Raum in Fläche verkehrt und Gegenständlichkeit zu Abstraktion wird. Die für den Künstler charakteristischen Wandobjekte sind moderne Weiterentwicklungen der tatlinschen Konterreliefs, die Malerei, Skulptur und architektonischen Raum vereinigen sollten. Als flache, wandbezogene Skulpturen formulieren Millers Arbeiten dabei einen neuen Begriff von Bildlichkeit. Das vorlie- gende Buch ist ein Catalogue raisonné; der erstmals das komplette Werk Gerold Millers von 1985 bis 2011 umfassend dokumentiert. Mit Beiträgen von Edelbert Köb und Barbara Jenner sowie einer Fotostrecke von Oliver Mark.

H-pro Lenkererhöhung 35mm, für Ø22,2mm Lenker mit ABE | Artikel: HIGHSIDER pro Distanz-Bock Set 35mm, silber, silber

Ludwig Seyfarths Essays sind bewusst zwischen Kunstwissenschaft und Kunstkritik angesiedelt. Sie analysieren einzelne Positionen und Themenfelder im Hinblick auf eine undogmatische Standortbestimmung zeitgenössischer Kunst. Als "Erbe" der Postmoderne untersucht der Autor die zentrale Bedeutung des Sammelns, die sich längst nicht nur in der immer dominanteren Rolle der privaten Sammler im Kunstbetrieb zeigt, sondern als strukturelles Element künstlerischer Vorgehensweisen, vor allem in der Reflexion medial geprägter Identitäten. Im Blickpunkt stehen dabei die Spannbreite künstlerischen Humors oder Grenzüberschreitungen zur Architektur, aber auch Rückbezüge zur Kunst des 18. Jahrhunderts und zur Geschichte der Landschaftsmalerei.

Bei der Rezeption von Werken und Objekten der Kunst treten zunächst vier Faktoren ins Spiel: Als Bedingungen der Wahrnehmung fungieren bestimmte Wissensbestände (Kunsttheorie, Ästhetik und Kunstgeschichte), entsprechende Präsentationsbedingungen (Museen, Bilderrahmen usw.) sowie – nicht zuletzt – das Medium des Geldes. Sie bilden gemeinsam ein Rahmensystem, durch das ein Werk mit spezifischen Eigenschaften erst in Erscheinung zu treten vermag. Einschliesslich des rezipierten Gegenstandes, der den vierten Faktor in diesem Geschehen abgibt, stehen alle Faktoren in stetiger Wechselwirkung. Die Art dieser Wechselwirkung allerdings unterliegt historisch nicht unerheblichen Veränderungen. Im Zuge der Entwicklung der Moderne geraten sämtliche beteiligte Faktoren unter einen verschärften Legitimationsdruck, der immer neue Mechanismen der Legitimation und Stabilisierung der Dynamik des Systems auf den Plan ruft. Inflations- und Deflationsprozesse in den Beiträgen der einzelnen Faktoren sind dabei funktional verkoppelt: Jede Entwertung in einem Segment des Systems hat komplementäre Bewegungen der Aufwertung in anderen Segmenten des Systems zur Folge. Einer der für die Kunst besonders bedeutsamen Effekte dieser Dynamik ist die forcierte Aufwertung moralischer Motive in der Kunstproduktion und -rezeption, die mit bestimmten Verwerfungen in den moralischen Diskursen selbst einhergeht. Hans Zitkos Studie über die medialen und systemischen Konstellationen der Kunstwelt entwirft nicht nur ein Strukturmodell zu deren Analyse, sie zeichnet auch die historische Entwicklung nach, an deren vorläufigem Endpunkt der heutige Kunstbetrieb steht.

Natalia Stachon (geb. 1976 in Kattowitz, Polen; lebt und arbeitet in Berlin) entwickelte in den letzten Jahren eine lyrisch-minimalistische Formensprache, die sich in ihren Objekten, Skulpturen und Installationen zeigt. Nach Abschluss ihres Studiums an der Hochschule für bildende Künste in Hamburg hat sie sich intensiv mit dem amerikanischen Minimalismus der 1960er und 70er Jahre beschäftigt; insbesondere mit der prozessorientierten Erforschung von Objekten im Raum wie zum Beispiel bei Robert Morris. In ihren Werken inszeniert die Künstlerin eine Atmosphäre der Aufmerksamkeit, in der sowohl die Arbeiten selbst als auch ihre Beziehung zum Raum und zum Publikum ein intensives Erlebnis schaffen. Die vorliegende Monografie ist der erste Überblick über die Arbeiten von Natalia Stachon. Texte von Gregory Volk und Dorothea Strauss sowie ein Gespräch zwischen der Künstlerin und Hans-Jörg Clement.

Im Buch Museum der Wünsche werden Highlights aus der Sammlung des mumok (Wassily Kandinsky, Paul Klee, Alberto Giacometti, Piet Mondrian, František Kupka, René Magritte, Pablo Picasso etc.) zusammen mit noch auf dem Markt verfügbaren Arbeiten gezeigt, die die Sammlung thematisch ergänzen und erweitern könnten. Bei knappen Ankaufsbudgets, die mittlerweile bei fast allen Museen den Neuerwerb von Kunstwerken erschweren, hat sich diese Form der Präsentation als ideal erwiesen, um private Mäzene und Förderer zu gewinnen. So wünscht sich das Museum zur Sammlungsvertiefung beispielsweise Werke von Cy Twombly, Dan Flavin, Blinky Palermo und Fred Sandback, während mit jüngeren Künstlern wie Monika Sosnowska, Phil Collins, Tacita Dean und Stephen Prina das 21. Jahrhundert Einzug halten soll.Mit Texten von Eva Badura-Triska, Wolfgang Drechsler, Elodie Evers, Rainer Fuchs, Sophie Haaser, Achim Hochdörfer, Naoko Kaltschmidt, Karola Kraus, Matthias Michalka, Susanne Neuburger, Berthold Rebhandl, Anette Südbeck.

Mehr als 60 Texte von russischen Künstlern wie Kasimir Malevič; Daniil Charms oder Dziga Vertov dokumentieren die Auseinandersetzung der Avantgarde mit einer Grundbedingung industriellen Alltags, nämlich unsere Konfrontation mit den 'Dingen'. In vielen radikalen Strömungen wird das Ding als eine Alternative zum herkömmlichen Kunstwerk propagiert, weil nur das wirkliche Ding dem Erfahrungsverlust der Moderne begegnet. Hatten die revolutionären Künstler ihre Aufgabe darin gesehen, sich mit der industriellen Produktion zu solidarisieren und für einen 'Neuen Menschen' neue Dinge zu entwerfen, so wollten auch die Schriftsteller einer 'Literatur des Fakts' Bücher mit Titeln wie 'Holz', 'Kohle' oder 'Zement' schreiben. Zur selben Zeit streiten die Literatur- und Kunsttheorie darüber, ob die Kunst nun die spezifische Dinglichkeit ihrer künstlerischen Sprache erforschen sollte, oder vielmehr jene Dinge, auf die ihre Sprache nur verweisen kann. Solche Überlegungen werden durch die Philosophen der russischen phänomenologischen Schule zusammengeführt, wenn sie über die 'Sprache der Dinge' und den 'sozialen Sinn' des Dinges nachdenken.

Bazon Brock steht mit seinem Denken und Schreiben für die Erhaltung des Momentums der Moderne in postmoderner Zeit ein, in unübersichtlichen Lagen, in dekonstruierten Räumen. Moderne ist dabei in des Wortes striktester Bedeutung zu fassen, als radikale Entfernung tradierter Wurzeltriebe ohne funktionalen Wert. Dazu gehört in erster Linie die Verabschiedung von der Würdeformel Kunst als unangreifbarer Kategorie des theologisch Transzendenten, mindestens des bewundert Erhabenen; das umfasst aber auch die Einbindung eines jeden ästhetischen Gegenstandes in das Schreiben, und sei er noch so banal oder alltäglich. Schon die Differenzierung der beiden letzten Begriffe - dass das Banale nicht unbedingt alltäglich und das Alltägliche schon gar nicht banal sei - formt ein Perpetuum mobile unter vielen im Brock'schen Denken. Beiträge: Zur Geschichte des Bilderkrieges um das Realismus-Problem Stillos Brust raus! oder Die befreite Brust Flexperten Gratulügen Friedensmartyrium Virtuelle Leichen Deutsch kapuut u.v.a.

Gustav Klimts Malerei erfreut sich einer ungeminderten Beliebtheit, die sich freilich völlig ahistorisch mit der dekorativen Postertauglichkeit seiner goldglänzenden Jugendstilbilder begnügt. Demgegenüber stellt der Kunsthistoriker Werner Hofmann Klimts Werk nicht nur in den Kontext der zeitgenössischen österreichischen Kunst, sondern begreift es als historisches Zeugnis der untergehenden Monarchie. Der Jugendstil war, so Hofmanns These, der letzte – scheiternde – Versuch, den Bruch zwischen Kunst- und Gesellschaftsformen mithilfe einer elitären Kunstdoktrin zu heilen. Hofmanns klassisches Buch, das hier in einer Neuauflage erscheint, ist nicht nur eine der wichtigsten Studien zu Gustav Klimt, sondern liefert auch ein lebendiges Panorama der Wiener Jahrhundertwende (Adolf Loos, Karl Kraus, Hugo von Hofmannsthal, Alois Riegl usw.). Die Neuauflage, für die Hofmann eine rückblickende Nachbemerkung geschrieben hat, erscheint anlässlich des 100. Jubiläums der Wiener Kunstschau, an die auch die Ausstellung 'Gustav Klimt und die Kunstschau 1908' im Belvedere (Wien, 1. Oktober 2008 bis 18. Januar 2009) erinnert.

Deutsche Erstveröffentlichung / Ausgezeichnet mit dem Übersetzerpreis der Stadt Wien Dieses theoretische Hauptwerk Umberto Boccionis (1882-1916) erschien unter dem Titel Pittura Scultura Futuriste (Dinamismo Plastico) erstmals 1914 in Mailand. Damit reichte der italienische Künstler fünf Jahre nach der Proklamation des ersten futuristischen Manifests eine Ästhetik nach, die den Futurismus innerhalb der internationalen Kunstszene zu etablieren verhalf. Vom Begründer der Bewegung F.T. Marinetti zum offiziellen Theoretiker erklärt, schuf Boccioni mit seiner bahnbrechenden Schrift die intellektuellen Grundlagen der futuristischen Kunst. Er versuchte darüber hinaus den Futurismus historisch zu positionieren und ihn sowohl von der zeitgenössischen Avantgarde als auch der europäischen Kunstgeschichte abzusetzen. Mit der deutschen Erstausgabe liegt ein wichtiger Quellentext zur klassischen Moderne vor. Der von Boccioni zusammengestellte Anhang enthält 8 der zentralen Manifeste des Futurismus und 51 historische Abbildungen teils verschollener Werke.

Massenkommunikation wird Kunst Tobias Rehberger (geb. 1966 in Esslingen), Professor für Bildhauerei an der Städelschule in Frankfurt und Preisträger des Goldenen Löwen der Biennale von Venedig 2009, hat seit den 1990er-Jahren die Rolle der Kunst in der Kommunikationsgesellschaft entscheidend weiterentwickelt. Seine Strategien erweitern den traditionellen Begriff des Künstlers, der Kunstproduktion, der Ausstellung und des Publikums um die interaktive Benutzerdimension. In der Regel gehören Lampen, Liegen oder Vasen zu dem Material, das Rehberger im Sinne der Fragestellung bearbeitet, ab wann die Dinge Kunst sind. Das Buch „Tobias Rehberger – flach“ zeigt nun erstmals Plakate von Tobias Rehberger die er im eigenen Auftrag für Produkte aus seiner persönlichen Lebenswelt – sei es der Sportartikel-Hersteller adidas oder der Landwirt Bauer Mann aus der Frankfurter Kleinmarkthalle – entworfen hat. Zu Rehbergers Neudeutung dieses Mediums gehören ebenso die Integration von Plakaten in Kunst-Ausstellungen wie wilde Plakatierungen im Stadtgebiet. An der Grenze zwischen privatem und öffentlichem Raum beweist er eingängig, dass aus Bildern im Zeitalter der Massenkommunikation Kunst werden kann. Zum Ansatz von Tobias Rehberger gehört ebenfalls, Publikationen zu seinen Ausstellungen nicht als rein funktionale Informationsträger zu gebrauchen, sondern sie als elementare und eigenständige Bestandteile zu entwerfen. Dabei kooperiert er häufig mit anderen Künstlern oder Gestaltern. So entstand das vorliegende Buch in enger Zusammenarbeit mit dem bekannten Grafikerduo Vier5.