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Theo Frey (1908–1997) wird oft in einem Atemzug mit den Klassikern der Schweizer Reportagefotografie – Hans Staub, Gotthard Schuh, Paul Senn – genannt. Sein Gesamtwerk ist jedoch weniger bekannt als die Werke dieser ersten, etwas älteren Generation von Fotoreportern. Das liegt einerseits daran, dass es bis heute nur unzureichend erschlossen und zugänglich war. Anderseits hängt es wohl auch mit Freys unprätentiösem Stil zusammen: Seine sorgfältig aufgebauten, sachlich gehaltenen Reportagen leben weniger von flüchtigen und dramatischen Momentaufnahmen als vom scharfen Blick für das Unscheinbare – für den Alltag, der die Menschen prägt. Theo Frey bringt in seinen Fotografien soziales Engagement und eine tiefe Sympathie für die Lebenswelten der kleinen Leute zum Ausdruck. Mit seinem streng dokumentarischen Ansatz gelingen ihm während seiner ganzen Laufbahn immer wieder einprägsame Bilder, die heute einen festen Platz im visuellen Gedächtnis der Schweiz einnehmen.

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Edited by Theodora Vischer. Text by Monika Sosnowska.

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Der Taunus war und ist eine Landschaft, die den Fotografen unzählige Motive bietet. So hat die Taunusfotografie im Laufe von rund 140 Jahren einen reichen Fundus an Bildmaterial geschaffen. Aus diesem wunderbaren Schatz hat der Verfasser seltene, interessante und künstlerische Fotos ausgewählt und mit sachkundigen Bildunterschriften beschrieben.

Studienarbeit aus dem Jahr 2010 im Fachbereich Kunst - Fotografie und Film, Note: 1,3, Leuphana Universität Lüneburg, Veranstaltung: Sommerschule Kunst und Politik, Sprache: Deutsch, Abstract: 1. Einleitung Der Kunst war im Staatssozialismus der DDR die Aufgabe zugedacht, den Herrschaftsanspruch durch ästhetische Präsentation der beabsichtigten gesellschaftlichen und zu erwartenden Wirklichkeit zu vergegenwärtigen. Die Mittel dazu waren der Austausch von Handlungsformen zwischen Künstler- und Arbeiterschaft, soziale Kollektivbildungen und die vehemente diskursive Vermittlung der vorgestellten Gesellschaftsordnung. Zwischen 1979 und 1989 - es ist das letzte Jahrzehnt der DDR - ist zunehmend eine Künstlergeneration am Werke, die abseits der offiziellen Kulturpolitik tätig ist und sich subkulturelle Räume schafft. Als Kunstform ist dabei die Fotografie von grosser Bedeutung. Diese Hausarbeit will aufzeigen, wie sich die Fotografie als künstlerisches Medium in der DDR entwickelt hat und welche fotografiebezogenen Subkulturen es gab, die möglicherweise zum Niedergang und Zusammenbruch der DDR beigetragen haben. Anhand der geschichtlichen Entwicklung des Verbandes Bildender Künstler der DDR und der zentralen Kunstausstellungen soll die zunehmende Bedeutung der Fotografie als eigenständige Kunstform im Staatssozialismus beschrieben werden.

Erika Sulzer-Kleinemeier ist Bildjournalistin, nicht Fotografin … Man könnte von dokumentarischer Fotografie sprechen, doch es mangelt den Bildern von Sulzer-Kleinemeier an der distanzierten Objektivi-tät, die man oft mit dem Dokumentarismus verbindet. Ihr engagierter Blick selektiert bewusst und richtet sich auf das, was buchstäblich in den Fokus unserer Aufmerksamkeit rücken soll. Viele ihrer Arbeiten reflektieren das Medium Foto-grafie, indem sie dessen Repräsentationsmechanismen in die Aufnahme integrieren. Auch der Hinweis auf politische Rhetoriken der Selbstdarstellung fliesst in ihre Bildästhetik oft mit ein. In ihrem umfangreichen Fotoarchiv finden sich einerseits wichtige historische Ereignisse. Politiker aller Parteien sind in entscheidenden Momenten politischer Willensbildung abgelichtet, als Redner oder am Rande von Parteitagen. Andererseits richtet sich ihr Blick aber auch auf alltägliche Begebenheiten, die zum Spiegel gesellschaftlicher Befindlichkeiten werden. Prominente stehen deshalb neben unbekannten Vertretern der Gesamtformation Gesellschaft. Auch Formen des Protestes, die von sich aus bildwirksame Ereignisse inszenieren, um mediale Aufmerksamkeit zu erlangen, sind ein zentrales Thema. … dass viele soziale oder gesellschaftliche Probleme nach wie vor ungelöst sind, machen diese Fotos sichtbar. Demonstrationen zum Beispiel ziehen sich durch die jüngere deutsche Nachkriegsgeschichte wie ein roter Faden. Ob Friedensdemonstrationen, gewerkschaftlich oder studentisch organisierter Protest, die Formen ähneln sich, wenngleich die Ziele andere sind. Dennoch geht es nicht einfach nur darum, eine Ikonografie des Alltags oder der Geste des Protestes auf die Spur zu kommen. Hinter dem Allgemeinen strahlt stets das Besondere durch. Dass hinter jeder Fotografie die Geschichte ihrer Entstehung steht, wird in den begleitenden Titeln deutlich, die Anekdotisches über die Entstehung der Aufnahme mit sachlicher Information zu dem abgebildeten Ereignis verbinden. … Erika Sulzer-Kleinemeier hat für Magazine wie 'Spiegel' oder 'Stern' gearbeitet, für Wochenzeitungen wie 'Die Zeit' und internationale Zeitschriften wie 'Daily Telegraph'. Heute werden Aufnahmen von ihr abgedruckt, wenn es darum geht, historische Ereignisse zu illustrieren. Dass ihre Fotografien parallel verstärkt in Kunstkontexten ausgestellt werden, liegt an der Perspektive, die dieser institutionelle Raum bietet. Hier treten ihre Sujets und ihr engagierter Blick, losgelöst von rahmenden Texten und Kommentaren, verstärkt in den Vordergrund, korrespondiert diesen doch eine gegenwärtige Tendenz der bildenden Kunst, sich engagiert in gesellschaftliche Zusammenhänge einzubringen.

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Was verstehen wir vom Tod, wenn wir Fotografien von Verstorbenen betrachten? Und wen oder was sehen wir dabei? Wie gehen wir mit den Fotos um? Wo platzieren wir sie, wem zeigen wir sie, wo verbergen wir sie? Welche Art Beziehung unterhalten wir zu den Toten mit Hilfe ihrer Fotografien, und wie verständigen wir uns über sie? Ist uns dabei das Medium präsent, oder bleibt es eine durchsichtige Membran? Das vorliegende Buch geht diesen Fragen nach und untersucht den sozialen Umgang mit Totenfotografien unserer westlichen Bestattungs- und Erinnerungsriten seit der Erfindung des Mediums. Ihm folgt ein zweiter Band, der analysiert, wie die Fototheorie und viele Fotokünstler und -künstlerinnen sich dem Thema nähern.

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Das ‚Es ist gewesen‘ verbindet Tod und Fotografie. Fototheorien haben dieses Wirkungspotenzial von Beginn an beschrieben und hierfür einen Kanon an Metaphern ausgebildet. Für viele Fotokünstler ist der tote Körper ästhetische, mediale und ethische Herausforderung. Sie reflektieren diese Grenzerfahrung durch die Visualisierung des toten Körpers und der durch ihn provozierten Leerstellen. Die Tode der Fotografie Band II zeichnet eine Theoriegeschichte der Fotografie nach, die das Medium durchgängig mit dem Tod korreliert hat, und untersucht fotokünstlerische Positionen, die sich mit dieser Wechselwirkung auseinandersetzen. Dabei greifen die Künstlerinnen und Künstler sowohl auf theoretische Denkfiguren wie auf soziale Fotopraxen im Umgang mit den Toten zurück, wie sie in Band I von Die Tode der Fotografie untersucht wurden.

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Andreas Feininger hat mit diesem Werk ein Lehrbuch der Photographie geschaffen, dem sowohl in der Methodik wie der Darstellung aller photographischen Ausdrucksmöglichkeiten kaum Vergleichbares in der Photoliteratur an die Seite gestellt werden kann. Klar und ohne Umschweife gibt das Buch Antworten auf praktisch alle Fragen, die sich jedem, der photographiert, trotz aller Vervollkommnung der Kameras stellen.

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Seit 1890 in Frankfurt (Oder) ansässig, war das einst sogar auf Theaterbühnen besungene fotografische Atelier L. Haase & Co (später Foto-Fricke) eine erstklassige Adresse. Einen Namen machten sich Otto, Walter und Martin Fricke vor allem mit aussergewöhnlichen Stadt- und Landschaftsaufnahmen, Panoramen der alten Kleiststadt und aus dem gesamten Regierungsbezirk. An die privaten Foto-Termine bei Frickes werden sich viele Frankfurter noch gut erinnern. Ralf-Rüdiger Targiel ist seit 1976 Leiter des Archivs der Stadt Frankfurt (Oder). Im ersten Teil seines Bildbands hat er knapp 50 einmalige, bislang überwiegend unveröffentlichte Arbeiten aus der wechselvollen Geschichte des 1856 in Berlin begründeten Fotoateliers zusammengestellt: Hochzeits- und Familienfotos, Werbeporträts und schmuckvolle Carte de visite als aussergewöhnliche historische Zeitzeugnisse. Im zweiten Teil blickt der Leser drei Generationen Fricke-Fotografenmeistern während ihres Schaffens über die Schulter. 87 fotografische Augenblicke dokumentieren Frankfurter Stadtgeschichte von 1903 bis in die Gegenwart. Sie lassen bereits Verschwundenes aus längst vergangenen Tagen wieder auferstehen, setzen die schwierige, aber hoffnungsvolle Zeit nach 1945 und die jüngere dynamische Entwicklung der Odermetropole in den Fokus. Ein Buch zum Erinnern, Vergleichen, Neu- und Wiederentdecken für alle Freunde Frankfurts.

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Über viele Jahrzehnte dokumentierte der Bildreporter Egon Klebe (1920–1982) für die „Bergedorfer Zeitung“ die Entwicklung und das Alltagsleben Bergedorfs. Ob beim Vereinsfest oder beim Verkehrsunfall, überall war Klebe mit der Kamera dabei. Für diesen Bildband hat Olaf Matthes, Leiter des Museums für Bergedorf und die Vierlande und Autor des erfolgreichen Bandes „Hamburg-Vierlande“; rund 200 Fotografien aus Klebes Nachlass zu einem abwechslungsreichen Panorama der 1950er- bis 1970er-Jahre zusammengestellt. Die hervorragenden Aufnahmen zeigen die sich wandelnden Arbeitswelten, das vielfältige Vereinsleben oder aussergewöhnliche Ereignisse, wie die erste elektrische S-Bahn von Bergedorf zum Berliner Tor oder die Sturmflut im Februar 1962. Klebe bekam aber auch viele bedeutende Persönlichkeiten während ihres Aufenthalts in Bergedorf vor die Linse, wie Helmut Schmidt, Max Schmeling, Sophia Loren oder Uwe Seeler. Dieser Bildband lädt zu einer Zeitreise in das Bergedorf vergangener Tage ein, meisterhaft eingefangen von einem wahren Künstler an der Kamera.

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Wellness ist in aller Munde, verspricht es doch die Balance von Körper, Geist und Seele. Eine Wohlfühl-Botschaft, die sich die Bildkommunikation in Werbe- und Imagekampagnen in den letzten Jahren stark zu Nutze macht. Die Autorin widmet ihre Arbeit der Frage, in welcher spezifischen inhaltlichen und formalen Weise der Begriff Wellness in fotografischen Bildern umgesetzt wird. Da in der Forschung und Literatur keine umfassende, vollständige und allgemein übertragbare Vorgehensweise zur Analyse eines fotografischen Bildes existiert, entwickelt die Autorin ein solches Bildanalyseinstrumentarium. Dieses zeichnet sich durch seine Übertragbarkeit auf jedes beliebige fotografische Sujet aus. Aufgrund der Präsenz des Wellness-Themas wendet sie es auf Bilder an, die in einem eindeutigen Wellness-Kontext auftreten. Das Erkenntnisinteresse liegt dabei auf der Katalogisierung inhaltlicher und formaler Bildgestaltungsmerkmale, die im Umkehrschluss einem Fotografen nützliche Hinweise zur Gestaltung von Wellness-Bildern liefern können.