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Ein neues Buch über Musiktherapie von Hansjörg Meyer, das viele Fallgeschichten enthält und anschaulich und unterhaltsam in die musiktherapeutische Arbeit mit Menschen mit schwerer geistiger und mehrfacher Behinderung einführt, aber auch die erstaunlichen Wirkungen der Methode als Psychotherapie für diesen Personenkreis aufzeigt. Vor allem macht dieses in jeder Hinsicht als Praxisbuch zu bezeichnende Werk deutlich, über welch unglaubliche Fähigkeiten schwer behinderte Menschen verfügen. Ein Buch nicht nur für Musiktherapeuten, sondern für alle Berufsgruppen und Interessierte, die mit behinderten Menschen zu tun haben.

Johann Sebastian Bach gilt vielen als genialster Tonschöpfer aller Zeiten. Er hinterliess ein opulentes Oeuvre von Orgelwerken und Konzerten, Oratorien und Kantaten. Seine Musik vermag auch dem Menschen der Moderne Zugänge zum Glauben zu eröffnen. Hinter seinem Schaffen gerät das Privatleben des Johann Sebastian Bach oft in Vergessenheit. Wer war dieser Mann, der so Grosses schuf, wie lebte und wie starb er? Und was veranlasste ihn dazu, trotz aller persönlichen Schicksalsschläge so kraftvoll zu komponieren: „Jauchzet; frohlocket“? Ein lebensnahes Porträt des lutherischen Komponisten aus der Feder des katholischen Bach-Liebhabers Georg Schwikart.

Musikgeschichte wird von einzelnen Persönlichkeiten geprägt. Einen ersten Zugang zu ihnen ermöglicht dieser Band, der Komponisten und Komponistinnen mit Bild und kurzer Werkbiographie vorstellt, von Guillaume de Machaut bis zur zeitgenössischen österreichischen Komponistin Olga Neuwirth. Der 2003 erschienene Band ist um über 25 Komponisten erweitert worden, die in den letzten Jahren zunehmend ins Interesse von Forschung und Publikum gerückt sind, darunter Hildegard von Bingen, Barbara Strozzi, Fanny Hensel, Clara Schumann, Carl August Nielsen, Lili Boulanger, Hans Zender, Heinz Holliger, Kaija Saariaho und Isabel Mundry.

Der Erbe der Klassiker und Akademiker – so wird Johannes Brahms allgemein apostrophiert. Doch woher kommt diese Zuschreibung und zu welchen Assoziationen führt sie? Dieses Buch geht zurück zu ihren Grundlagen und stellt ihr ein Brahms-Bild gegenüber, das sich erst in jüngerer Zeit herausgebildet hat und das in ihm den Wegbereiter der Neuen Musik erkennt. Vor dem Hintergrund der Biographie, des Zeitgeschehens sowie der sozialen Stellung – Brahms gilt auch als „Komponist des Bürgertums“ – liegt der Schwerpunk dieses Buches auf seiner Musik. Das Werk, dem bei allen konservativen Tendenzen doch auch wesentliche zukunftsweisende Momente zueigen sind, wird in die kompositionstechnische Entwicklung und die ästhetische Diskussion der Zeit eingeordnet. Reiches Informationsmaterial zu den Kompositionen, so etwa ein umfangreiches Werkverzeichnis mit sämtlichen von Brahms vertonten Texten, Abbildungen auf Tafeln und eine ausführliche Bibliographie runden den Band ab.

Alfred Schnittke (1934-1998) gilt gemeinhin als Komponist, der mit dem Begriff der Polystilistik das Paradigma der Postmoderne ausformuliert hat. Damit werden Fragen nach der Autorschaft und Originalität Schnittkes aufgeworfen. Das Buch hinterfragt das Verhältnis von Autor, Werk und Rezeption in der Musik am Beispiel seiner Klavierkonzerte unter Verwendung literaturtheoretischer, soziologischer und philosophischer Theorien. Die Solokonzerte für Klavier decken einen langen Zeitraum seines Schaffens ab und lassen deshalb Entwicklungsstränge wie die Rezeptionsgeschichte Schnittkes und seiner Werke erkennen.

Kein anderer Komponist des 19. Jahrhunderts war zu Lebzeiten so umstritten wie Felix Mendelssohn Bartholdy, kein anderer fand nach seinem Tod eine so widersprüchliche, verzerrende, bis zur Verketzerung reichende Rezeption wie er. Dieses Buch versucht, persönlichkeits- und werkbezogene Aspekte herauszuarbeiten. Dabei geht es ebenso um Mendelssohns Eingebundensein in die ästhetischen, politischen und musikalischen Denkkategorien der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts wie um die stilistischen, kompositorisch-strukturellen und kompositorisch-technischen Bezüge, die Mendelssohn vorfand, sich aneignete, weiterentwickelte, ausformte und in individuellen Werken Gestalt werden liess. Im Mittelpunkt der Darstellung stehen Fragen nach Gattung, Stil und Rezeption. Der Stand der Forschung wird reflektiert und durch neue Erkenntnisse weiterentwickelt. Der ausführliche Bildteil ist eine zeitgeschichtliche Dokumentation, die die textliche Darstellung in augenfälliger Weise ergänzt.

Grosse Komponisten für kleine und grosse Ohren sind vier CDs aus der Reihe "Marko Simsa präsentiert" in einer Box. "Mozart-Hits für Kinder" enthält die beliebtesten Musikstücke von Wolfgang Amadeus Mozart. "Walzerschritt und Polkahit" lässt Johann Strauss-Melodien erklingen. "Paukenschlag und Kaiserlied" ist ein Reigen fröhlicher Kompositionen von Joseph Haydn. "Geburtstagskonzert für die Prinzessin" ist eine musikalische Geschichte rund um das Thema Barockmusik und Leben bei Hofe mit Werken unterschiedlichster Komponisten. Marko Simsa führt als Erzähler durch alle CDs und vermittelt spielerisch einen ersten Zugang zur klassischen Musik.

Claudio Monteverdi ist in Deutschland ebenso bekannt wie unbekannt: Bekannt ist er durch seine Werke, die in Opernhäusern, Konzertsälen und CD-Regalen zum festen Repertoire gehören; unbekannt ist er im Hinblick auf den kompositions-, ideen- und sozialgeschichtlichen Kontext und Hintergrund seines Schaffens, über das seit drei Jahrzehnten keine Monographie in deutscher Sprache mehr erschienen ist. Das vorliegende Werk füllt jedoch nicht nur eine Lücke – es offenbart zugleich eine faszinierend neue Sicht, einen Einblick 'von innen' in die tragenden Voraussetzungen von Monteverdis Schaffen, ideelle ebenso wie kompositionstechnische und kulturgeschichtliche. Ein ausführlicher Bildteil ergänzt die textliche Darstellung.

Der Band präsentiert überaus kenntnisreich und auf dem aktuellen Forschungsstand Händels Leben und Werk. Neben Beiträgen bedeutender Händel-Experten enthält der Band eine umfassende Chronik zu Händels Biographie, seinem kompositorischen Schaffen und seinem geschichtlichen und kulturellen Umfeld. Ausserdem bietet der Band einen umfangreichen Abbildungsteil, ein Händel-Werkverzeichnis sowie eine umfassende Händel-Bibliographie. Damit ist dieser Titel ein unverzichtbares Lese- und Arbeitsbuch für alle Händel-Freunde.

Die Musik Chopins ist nach wie vor eine feste Grösse im Musikleben – ganz im Gegensatz zur Kunst der Klaviervirtuosen des 19. Jahrhunderts, die ihre Entstehungszeit nicht überdauert hat. Was aber den Ton seiner Musik bestimmt, die immer noch anrührt, ist nicht leicht zu beschreiben. Sicherlich waren es die Erfahrung der Einsamkeit des Exilanten und eine unerfüllte Sehnsucht nach der Heimat, die in Mazurkas und Nocturnes ihren Ausdruck fand. Freilich kann die Beschreibung der geistigen Welt Polens, aus der Chopin stammte, und jener Sphäre der Pariser Salons, in der er den grössten Teil seines Lebens verbrachte und der er doch fremd blieb, nur den Hintergrund für eine neue, tiefgehende Lektüre seiner Musik liefern. Doch anhand dieser Überlegungen lässt sich gleichzeitig zeigen, wie sehr Chopins Kompositionen von den Konventionen ihrer Zeit abweichen und was den unverwechselbaren Klang seiner Klaviermusik ausmacht.

Manchen erschien er ungebildet – und er begriff Dichtung, wenn er sie komponierte, abgründig tief; viele sagten ihm die Naivität eines singenden Vogels nach – und er arbeitete bewusst und hart; etliche sahen nur den, der zum Tanz aufspielte – und andere schreckte er mit seinen Kühnheiten. Die ärgerliche Verkennung, die Schubert mehr als andere Gleichrangige erfuhr, muss nicht mehr widerlegt, sondern als Ausdruck der Schwierigkeit ernst genommen werden, ihn wirklich zu verstehen. Ein anderes „Bild“ springt dabei nicht gleich heraus – wozu auch? Denn Person und Werk zu trennen, ist hier besonders unzulässig. Vor allem um dessentwillen, was an Schubert legitimerweise „naiv“ genannt wird, opponiert das Buch dem, was fälschlich damit verbunden wurde – indem es mit dem Bezug „. und seine Zeit“ ebenso ernstzumachen versucht wie mit der Lektüre musikalischer Texte. Denn selbst Schubert als Person lässt sich, prononciert gesprochen, in seinen Noten eher antreffen als beim Heurigen.

Musikalische und musikhistorische Erkenntnis kann heute in keinem direkten Zugriff aufs Ganze mehr zustande kommen, sondern allenfalls durch konzentriertes, umfassendes Verstehen des Einzelnen zu einer Ahnung von Totalität gelangen. Dieses Buch will daher zur Erkenntnis der Mahlerschen Musik durch eine paradigmatische Betrachtung einzelner Probleme beitragen. Ausgewählte Werke werden unter möglichst verschiedenartigen Aspekten thematisiert – in allgemeinem poetologisch-ästhetischen Zusammenhang, unter rezeptionsgeschichtlicher Perspektive oder im Blick auf Fragen der musikalischen Analyse, der Gattungs-, Aufführungs- und Bearbeitungsgeschichte. In der methodologischen Vielfalt der Fragestellungen scheint so eine wissenschaftlich aktuelle Mannigfaltigkeit des Mahlerschen Œuvres selber auf. Die wichtigsten Stationen der Biographie werden im Zusammenhang zeithistorischer Ereignisse in Form einer Chronik dargestellt und im Bildteil veranschaulicht.

Viele Kinder hören in ihrem Alltag Kinderlieder oder Popmusik, nur wenige kommen mit „Klassik“ in Berührung. Dabei bietet diese Musik Kindern vielfältige Möglichkeiten, musikalischen Formen und Eigenschaften „auf die Spur“ zu kommen. Aber auch ihre sozialen und emotionalen Kompetenzen, wie Selbstbewusstsein und Teamfähigkeit, werden beim gemeinsamen Musizieren und der Kommunikation über die Musik verbessert. Diese Praxismaterialien zeigen Ihnen konkrete Wege, wie Sie die Neugier der Kinder auf klassische Musik wecken. Die Schüler begeben sich dabei aktiv auf die Spuren von Händel, Haydn, Mendelssohn-Bartholdy, Schumann, Mussorgsky, Tschaikowksy und Strawinsky: Sie verwandeln Stimmungen der Musik in Bilder, begleiten Musikwerke mit Instrumenten oder werden selbst zu kleinen Komponisten. So setzen sie zum Beispiel Händels „Feuerwerksmusik“ in ein „Laternenfeuerwerk“ um. Die Unterrichtsmaterialien enthalten neben sofort einsetzbaren Unterrichtsideen auch Sachinformationen und didaktische Hinweise zu den ausgewählten Musikwerken sowie eine CD mit allen benötigten Hörbeispielen.

Der Komponist, Dirigent und Pianist Konstantin Ilievsky schreibt in diesem Buch über die Verbindung zwischen einem Interpreten und dem von ihm interpretierten Werk und vergleicht diese mit der Beziehung, die zwischen einem Komponisten und seinem gerade entstehenden Werk zu beobachten ist. Dabei sind interessante, psychologische Prozesse zu bemerken, die sich in ausgefallenen und nicht vorhersehbaren Formen entfalten und so zu einer Inspiration für die Kunstschöpfer werden. Ilievsky erforscht wissenschaftlich die Tatsachen aus der Perspektive eines Beobachters (der aber auch einen Sinn für Humor besitzt) und spricht im letzten Kapitel über seine eigenen Erfahrungen, die er technisch durch Beispiele belegt. Obwohl der Autor primär musikalische Phänomene thematisiert, sucht er ständig eine Verbindung zu anderen Kunstgattungen und ihren Formen, die sich seiner Meinung nach ständig überlappen. Auch sozial-historische, naturwissenschaftliche, psychologische und philosophische Hintergründe werden im Zusammenhang mit der Entstehung eines Kunstwerkes in Verbindung gebracht und decken so ein breites Spektrum ab, das zum Verständnis der Problematik notwendig ist.

"Ein Komponist kann die Welt, in der er lebt, nicht gleichgültig betrachten. Menschliche Leiden, Unterdrückung, Unrecht ... all das kommt zu mir in meinen Gedanken. Wo es Schmerzen gibt, wo es Unrecht gibt, da will ich mitsprechen durch meine Musik" (Isang Yun 1983). Die Musik des Patrioten und Humanisten Yun, der 1917 im Süden Koreas geboren wurde und 1995 in seiner Wahlheimat Berlin gestorben ist, bildet kompositionstechnisch das unwiederholbare Modell einer musikalischen Sprache, in der Yuns "ureigene" Idiomatik koreanisch-ostasiatischer Provenienz mit europäischen Verfahrensweisen eng verschmolzen ist. Ihre scheinbar endlos strömende - zeremonielle und appellative - Gestik resultiert aus einer Kunst des gleitenden Übergangs, die immer wieder neuartige Klang- und Zeiterfahrungen vermittelt. Der erstmals 1987 zum 70. Geburtstag des Komponisten erschienene Sammelband porträtiert Isang Yun in unvermindert aktuellen Beiträgen, die sich für den Leser zu einem repräsentativen Mosaik runden. Mitgearbeitet haben Musikwissenschaftler und Musikethnologen, Koreanisten, Komponisten und Interpreten, politische und musikalische Freunde Yuns. Der als Lese- wie Arbeitsbuch konzipierte Band ist nach wie vor grundlegend für die Auseinandersetzung mit dem musikalischen Denken und den kompositorischen Entscheidungen Isang Yuns. Für die überarbeitete Neuauflage schrieb Walter-Wolfgang Sparrer einen Essay, wobei im diskursiven Zugriff Werke und Werkreihen Yuns diskutiert werden. Besondere Berücksichtigung finden seine Kompositionen aus den letzten zehn Jahren. Ebenfalls neu hinzugekommen ist der Abdruck von Yuns Vorlesungen "Über meine Musik", gehalten 1993 am "Mozarteum" in Salzburg. Ergänzt wurden für diese erweiterte Neuauflage auch Zeittafel, Werkverzeichnis, Bibliografie und Diskografie.

Richard Strauss - Brahms - Puccini - Humperdinck - Max Bruch - Edvard Grieg. Über die Entstehung ihrer unsterblichen Meisterwerke. Eine Fülle von aufschlussreichen Aussagen über ihr Verhältnis zu religiösen und philosophischen Problemen.

Studienarbeit aus dem Jahr 2009 im Fachbereich Musik - Sonstiges, Note: 1,7, Christian-Albrechts-Universität Kiel (Musikwissenschaftliches Institut), Veranstaltung: Grundzüge einer Musikgeschichte des 19. Jahrhunderts, Sprache: Deutsch, Abstract: Die vorliegende Hausarbeit gliedert sich in drei Hauptteile. Die ersten beiden beziehen sich auf die Inhalte der Vorlesung Aspekte einer Kompositionsgeschichte des 19. Jahrhunderts, die im Sommersemester 2009 an der Christian-Albrechts-Universität zu Kiel gehalten wurde. Während sich das erste Schwerpunktthema mit der Frage auseinandersetzt, wie die Kompositionsgeschichte von der musikalischen Kulturgeschichte einerseits und der Musiktheorie andererseits abgegrenzt werden kann, dient der zweite Abschnitt dem zusammenfassenden Abriss über die gesamte Vorlesung. Der dritte Schwerpunkt der Hausarbeit bezieht sich schliesslich auf die Person des Johannes Brahms und beleuchtend zum einen sein Leben und seinen künstlerischen Werdegang, zum anderen sein Selbstverständnis als Komponist sowie seine Tätigkeit als Kompositionslehrer. Es soll verdeutlicht werden, in wie fern sein musikhistorisches Denken diese beiden Aspekte seines künstlerischen Daseins beeinflusste. Die Grundlage für den Themenbereich um Brahms' Denken und Handeln als Komponist bildet vor allem Christian Martin Schmidts Kapitel Verhältnis zur Geschichte in seinem Buch Johannes Brahms und seine Zeit, in dem dieser Fragenkomplex eingehend erläutert wird. Wie Brahms als Kompositionslehrer auftrat, wird hingegen aus persönlicher Erfahrung von Gustav Jenner als Brahms' Kompositionsschüler in seinem Buch Johannes Brahms als Mensch, Lehrer und Künstler. Studien und Erlebnisse geschildert. Als Ergänzung dazu wurden die Ergebnisse Konrad Huschkes in Johannes Brahms als Pianist, Dirigent und Lehrer und die darauf bezugnehmende Studie Johannes Behrs "Johannes Brahms - Vom Ratgeber zum Kompositionslehrer. Eine Untersuchung in Fallstudien" ausgewertet. [...]

John Williams gilt als zeitlose Ausnahmeerscheinung unter den Filmkomponisten. Blockbusters wie Star Wars, Indiana Jones, Schindler's List oder Harry Potter werden unmittelbar mit Williams' genialen Melodien in Verbindung gebracht. Läuft es Ihnen auch kalt über den Rücken, wenn Sie an die furchterregenden Attacken des weissen Hais aus dem Thriller Jaws denken, die zusammen mit Williams' beängstigendem Hauptthema zum reinen Nervenkitzel avancieren? So ist es nicht verwunderlich, dass viele seiner Soundtracks längst Kultstatus erreicht haben. Weniger bekannt ist, dass aus John Williams' Feder auch wundervolle Konzertmusik entsteht, die von namhaften Orchestern aufgeführt wird. Doch worin liegt das Geheimnis seiner grossartigen Einfälle? Der Autor Franz- Josef Hauser versucht dieser Frage auf den Grund zu gehen, indem er neben John Williams' grösster Leidenschaft, den Kompositionen für den Film, auch seine Konzertmusik unter die Lupe nimmt. Weiters werden die filmmusikalische Komposition im Allgemeinen oder auch das "Doppelleben" vieler Filmkomponisten beleuchtet. Das Buch richtet sich an Musiker und Pädagogen, sowie an alle Film- und Musikbegeisterten.

Arthur Honegger (1892-1955), einer der grossen Komponisten des 20. Jahrhunderts, äussert in diesen Gesprächen eine Fülle anregender Gedanken. Sie reichen von materiellen Existenzsorgen des Komponisten, von Verlagsproblemen und Fragen des Métiers bis zu tiefen Einblicken in das schöpferische Künstlertum. Als Vollblutmusiker und Mensch setzt sich Honegger unbefangen mit den Problemen seiner Kunst und des Lebens auseinander, anerkennt neidlos fremde Grösse, nimmt die Welt wie sie ist und lässt sich nicht irre machen in seiner Begeisterung für den Auftrag, den ihm seine Begabung auferlegt hat.

Die musikgeschichtlichen Aspekte der Zwischenkriegszeit in Ungarn werden rückblickend interessant. In dieser Zeit erlebte Ungarn ein besonderes Kapitel seiner Geschichte. Nach 1919 ergab sich mit der politischen und kulturellen Trennung von der Monarchie die Möglichkeit für rasche und progressive Entwicklungen auf dem Gebiet der Literatur, Musik und Kunst. Im Fall der Musik wurden diese Entwicklungen einerseits von den kulturelle Identität suchenden Bestrebungen getragen, die man nicht mit der ultrakonservativen zum Chauvinismus neigenden politischen Ausrichtung des damaligen Ungarn verwechseln sollte. Die Geschichte des Liedes kommt in Ungarn mit dem breiteren Publikum in Berührung, da in Ungarn das Kunstlied eine besondere Art und Funktion in den vorangehenden Jahrhunderten und in dieser Zeitperiode aufwies. Lieder waren generell sehr populär und dienten als wichtigste Gattung wegen ihres ungarisch-nationalen Spezifikums als bedeutendster Träger der landeseigenen Musik. So wurde diese Gattung in der Zwischenweltkriegszeit heiss umkämpft.